MAESTROS DE LA PINTURA S XIX / XX

 ANTONIO PITXOT (1934/ 2015)

Aunque la familia de Pichot y la del pintor Salvador Dalí se conocían incluso antes de nacer Antoni, su relación con él surgió con ocasión de la defensa que Dalí hizo de su obra. Con el tiempo, Dalí le pidió participar en el diseño del Teatro-Museo Dalí de Figueres. También durante estos años, rehaciendo los viejos vínculos familiares, inició su relación con Dalí, que culminaría en una amistad duradera. En agosto de 1972 Dalí lo visitó en su taller y le propuso instalar una exposición permanente de su obra en el Teatro-Museo de Figueres, que se inauguró el 28 de septiembre de 1974. Se puede decir que el museo es, en buena medida, el resultado del diálogo entre estos dos creadores. En 1975, en colaboración con Salvador Dalí realizó los cuatro “monstruos grotescos” del patio interior del Teatro-Museo. Son monstruos-fuentes a la manera de los manieristas italianos, realizados con acumulaciones de piedras, cajones, troncos de árbol, un esqueleto de una ballena, caracolas y conchas. En la actualidad, hay una exposición permanente sobre la obra de Pichot en la planta baja de este museo. Pichot y Dalí fueron casi inseparables en los últimos años de la vida de Dalí: diseñando el museo, dando clases sobre arte e intercambiando ideas sobre pintura. Pichot fue protector del legado de Dalí después de su muerte. Entre Pitxot y Dalí se estableció una gran comunicación y una complicidad estética. Así, por ejemplo, en 1958 Pitxot trabajó en la exposición “La batalla de Constantí”, que presentó en Barcelona. El tema de la batalla fue inspirado por una conversación con Dalí, que le explicó que las rocas de la playa de Sa Conca en Cadaqués ya configuran por sí solas múltiples batallas.

DIONISIO BAIXERAS (1862-1943)

Es uno de los fundadores del Círculo Artístico de San Lucas, asociación creada por varios artistas modernistas catalanes, entre ellos Joan Llimona (1860-1926), Enric Sagnier (1858-1931) y Antoni Utrillo (1867-1944), que, frente a los ideales progresistas que promueve el  Círculo Artístico de Barcelona  donde propone una práctica artística acorde con los principios y la moral católica. Su obra se ha expuesto en reiteradas ocasiones en la Sala Parés de Barcelona, así como en muestras colectivas, como la Exposición Universal de París o la Exposición Internacional de Buenos Aires.

Sus obras se exponen en diversos museos como: Musée d’art et d’industrie de Roubaix (Francia), Museo de Bellas Artes (Asturias), Biblioteca Museo Víctor Balaguer (Barcelona), The Metropolitan Museum of Art (Nueva York).

 

FRANCISCO CLAVERO MEDINA /1927)

A pesar de que ha vivido prácticamente toda su vida en Barcelona conserva el sentido de la luz propio de los artistas andaluces, una luz que no se centra en un solo punto, sino extendiéndose por toda la superficie de la obra. Maestro en la difícil técnica de la acuarela, donde juega con el profundo conocimiento que tiene del dibujo y la perspectiva complaciéndose, además, en el detalle, lo cual no es demasiado frecuente entre los acuarelistas. Su estilo es reconocido por su dominio absoluto de las técnicas que utiliza, una técnica que, aunque exigente, le ha permitido exponer su profunda comprensión del dibujo, la perspectiva y, sobre todo, de la luz.  Esta luz, que es uno de los rasgos distintivos de su obra, se despliega con la misma intensidad y vitalidad que caracteriza a los artistas andaluces, extendiéndose no solo desde un punto central, sino iluminando toda la superficie de la obra. 

FREDERIC LLOVERAS I HERRERAS (1912-1983)

“Jo soc un urbanista. El paisatge pur no m’atreu per pintar. M’interessa més tot el que és humà. L’abstracte per exemple em recorda els minerals, vegetals i en general la natura, però no l’home. No busco cap filosofia amb la meva pintura. Tan sols donar el màxim de poesia dins del tema que més sento, que és el tema urbà. Em limito a donar forma i color a les coses que veig; a ser pintor i solament pintor.”

Su estilo artístico comulgaba con los postimpresionistas. Fue un artista multidisciplinar, comenzó su trayectoria artística con el óleo, durante la guerra se dedicó al dibujo y, finalmente, a la acuarela. Su técnica lo reconoció como uno de los mejores acuarelistas catalanes de su momento.  Con la acuarela promovió la escuela “A lo Lloveras”, aunque no se quedó solo en esta técnica y se negaba a que lo encasillaran solo en un estilo. No obstante, siempre se mantuvo en el postimpresionismo y se negó a participar en las vanguardias pasajeras, lo que creó cierto problema para encajar sus obras en las exposiciones contemporáneas.
 

CAYETANO CORNET Y PALAU (1878-1945) fue un dibujante e ingeniero español. Colaborador de publicaciones periódicas satíricas como La Esquella de la Torratxa y, más adelante, Cu-Cut!, de la que fue fundador, hacia 1912 había pasado a ejercer como director artístico de El Correo Catalán. También dirigió En Patufet En 1933 fue nombrado director de la Escuela de Ingenieros Industriales de Barcelona.  Firmaba sus dibujos con un corazón que encerraba en su interior las letras «net».

 Prensa Satírica: Combinó su labor técnica en La Maquinista Terrestre y Marítima con el dibujo humorístico. Colaboró en publicaciones como L'Esquella de la Torratxa y La Campana de Gràcia. [1, 2, 3]

Estilo: Su trazo recibió influencias de la revista alemana Simplicissimus y del artista francés Caran d'Ache  

JORDI DANES (1935/ 2006)

Hábil con el dibujo, crea una atmósfera de neo-romanticismo.Su primera exposición data de 1953 de forma que han sido más de cincuenta los años de dedicación al arte, militante en primea línea de la acuarela. Fundó el taller para innovar dentro del mundo de los talleres de santos de Olot las imágenes religiosas, a las que dio un aire más estilizado. Pintó a menudo en su comarca, pero también en París, Venecia y otros lugares de Europa,

Durante los años setenta, y hasta sus últimos días, inició una gran trayectoria expositiva tanto en nuestro país como en el extranjero. Le estuvieron concedidos varios premios, como el J. Civil en la Bienal de Acuarela de Barcelona y la Medalla de Oro de la Agrupación de Acuarelistas de Barcelona. De su extensa bibliografía podemos destacar Olot, ave de otoño, Los pintores de la Costa Brava hoy o Enciclopedia Viviente de la Pintura y la Escultura Catalana.

El artista sintetiza, pero nunca se impone a la realidad formal que pinta. Sus obras tienen el tintineo del que existe por sí mismo. Construye los cuadros desde una base esteticista. Hábil con el dibujo, crea una atmósfera de neo-romanticismo. 

Danés jordi sintetiza, pero nunca se impone a la realidad formal que pinta.

JOSÉ HERNÁNDEZ QUERO (1930) es un pintor, grabador y diseñador español.

En mayo de 1970 ganó la Cátedra de Dibujo Artístico de la Escuela de Artes y Oficios de Madrid.. Otra beca de la Fundación Juan March (en la especialidad de aguafuerte y xilografía) le permite viajar por España trabajando en una monografía sobre “El paisaje español. Su actividad como grabador se hace más intensa y generosa, donando parte de su obra a varias instituciones: Biblioteca Nacional, Calcografía Nacional, Universidad de Granada, Museo Nacional del Romanticismo, Real Academia de Bellas Artes Santa Isabel de Hungría de Sevilla, Museo Municipal de Madrid, Banco de Granada.  A lo largo de 1991, creo la colección una "memoria de ayuda docente", tras sus investigaciones sobre la Moda y Textiles en Barcelona, Tarrasa y, en Nueva York, en el Museo Metropolitano y el Instituto del Traje. Académico en la Real Academia de Bellas Artes Nuestra Señora de las Angustias de Granada en 1978, en la de Sevilla en 1988 (que en 2003 le concedería además la Medalla a las Bellas Artes) y, un año después, académico en la de Madrid

MANOLO HUGUÉ (1872-1945)

fue un pintor y escultor español, destacado representante del novecentismo catalán de principios del siglo XX. Trabajó durante más de una década en Francia, donde alcanzó tal notoriedad. Su obra puede resumirse como una síntesis de clasicismo y primitivismo dentro de la modernidad. Su vida bohemia y marginal y sus visitas al café Els Quatre Gats en Barcelona le valieron la amistad de Santiago Rusiñol, Joaquín Mir, Isidro Nonell y Pablo Picasso, entre otros artistas.

En su obra es esencial la relación con la naturaleza, considerando a la figura humana como un elemento integrado en ella. Se trata de una característica propia del clasicismo noucentista, pero que en manos de Martínez Hugué van más allá de sus limitados orígenes. El fondo personal de Manolo Hugué se conserva en la Biblioteca de Cataluña, si bien un nutrido repertorio de obras quedó en Francia. En 1957, el Musée d'Art Moderne de Céret le dedicó una exposición antológica para la cual Picasso diseñó el cartel anunciador.

RAMÓN PICHOT I SOLER, (1924 – 1996)   

Pronto descubrió su verdadera vocación en las artes plásticas. Instalado en París, se formó en la corriente postimpresionista, estilo que mantuvo fielmente a lo largo de su carrera. Compartiendo su arte con los artistas Salvador Dalí, Pere Pruna, Josep Amat, Roca Sastre. La amistad con Picasso y Ricard Opisso le permitió conocerlos personalmente, y cada uno de ellos influyó en una parte de su estilo y obra. Empezó a pintar a los dieciséis años y en 1939 ya realizó su primera exposición individual en Barcelona. Ésta fue el punto de partida de una trayectoria prolífica, con exposiciones que le hicieron conocido en toda España y Europa.

Con su exposición en el  Museu Nacional  su arte empezó a valorarse de otra manera.

En 1968 expuso por primera vez en la Trosby Gallery de Palm Beach, Florida, y dos años más tarde en las Hammer Galleries de Nueva York, donde obtuvo un gran éxito que se repetiría en numerosas ocasiones hasta 1981. Sus obras están expuestas en distintos museos, espacios culturales, galerías como la Sala Parés de Barcelona, y en distintos países como Bilbao, Sant Sebastià, Madrid, París, Nova York, Los Angeles, Miami, Palm Beach.

Su pintura refleja un profundo interés por el postimpresionismo y la figuración, centrándose principalmente en paisajes –sobre todo de Cadaqués– y retratos de figuras femeninas, dentro de los cánones académicos y con una marcada influencia de Renoir. Estas dos temáticas fueron las que más reconocimiento le aportaron. En 1992 participó en una exposición en la sala Conde Duque de Madrid, junto con obras de su hermano Antoni y de su tío Ramon. Su última exposición tuvo lugar en 1995 en el Spirit of Barcelona, en Londres.